攝影師為什麼要用閃燈？別再用肉眼去評斷畫面光線了

在許多場合，當攝影師架起閃燈、打光拍攝時，常會聽到旁人疑惑地說：「現場明明就很亮，為什麼還要開閃燈？」這樣的反應對於我們來說其實既熟悉又無奈。

因為「肉眼看到的光」與「相機需要的光」，本來就是兩回事。

為什麼眼睛覺得夠亮，相機卻需要補光？

人的眼睛具備極高的感光能力，對亮度、對比、色彩都有極強的動態調節功能。

但相機，尤其是在低光環境下，即使是全片幅、旗艦級感光元件，也遠遠不及我們雙眼的感知範圍。

所以你覺得畫面「已經夠亮了」，但相機看到的可能只是平淡、扁平、無層次的畫面。

這就是攝影師要補光的原因，不是因為我們「覺得不夠亮」，而是知道相機在沒有光線的幫助下，畫面會失去應有的重點與質感。

你沒看見的螢光綠，相機會忠實拍下來

除了亮度的問題，室內光線還有一個更難解釋的狀況：色偏，特別是在使用日光燈的空間裡。

很多公共空間、教室、講堂，都是日光燈照明。

這類燈具在眼睛看起來是白光，但實際上會帶有綠色的色偏──這是螢光燈的特性。

肉眼習慣性會「自動白平衡」掉那一層綠色，但相機會非常誠實地把它拍出來。

你會發現拍完放進 Lightroom 或 Photoshop 裡，臉、身體、皮膚的黃色裡帶一層薄薄的綠色，看起來沒什麼血色。

想要處理到正常的膚色，就必須針對單張照片做顏色校正、調整白平衡與色相，耗時又繁瑣。

我後來的做法是：

不再倚賴後製來挽救，而是直接用閃燈去「處理那層綠」，用主光主導色溫，把人臉的膚色重新建立，讓背景保有現場的光感，但主體不再受到日光燈色偏干擾。

如果拍攝空間夠小，閃燈甚至可以主導整個空間的色彩，進一步改善環境光造成的色偏問題。

這也是為什麼我常常會說：要讓修圖流程變得簡單，拍攝時就必須先把光線與色彩控制好。

控光讓畫面不只是亮，而是有主題、有邏輯

閃燈的意義，不只是「讓照片亮一點」。

它更像是畫筆，用來強調主角、剪除雜訊、建立空間的層次與視覺節奏。

像這張講者在舞台上的照片：

透過閃燈主光與環境光的搭配，臉部乾淨、光線柔和，整體畫面沒有日光燈的綠色污染，還保留現場柔和光暈。

這樣的畫面，在後製時幾乎不用修，就已經接近完成狀態。

閃燈不會讓畫面變「死白」嗎？

這是很多人對閃燈的誤解。

會造成死白、僵硬、陰影突兀的畫面，通常不是閃燈本身的問題，而是使用方式出了差錯。

專業攝影師懂得控光，懂得用柔光罩、反射板、跳燈等方式柔化光線。

這張小朋友在室內自然光不足的場景活動照：

補光剛剛好，膚色自然乾淨，畫面整體色溫也更貼近現場。

閃燈與環境光如何協作？

很多活動現場都有裝飾燈光、舞台燈或環境氣氛燈等等的環境光源。

不希望全部打掉重練，只需要把人臉、動作、細節拍清楚即可。

像這張兒童舞台活動照：

孩子的動作與情緒清楚呈現，而背景的金色神龕、場景的溫暖色調依然被保留。

這就是主燈與環境光協作下的效果。

現場控光的另一個例子：

壓制整體色偏這張成人進場的照片是在一個色偏極重的空間裡拍攝的，整體日光燈偏綠，環境本身的色彩也比較難處理。

我使用閃燈主導現場的整體光線，讓主體的膚色自然穩定，不受螢光綠影響。

這樣拍攝下來的檔案幾乎不需要再花力氣調整顏色，後製上非常節省時間。

這是我想強調的：現場處理掉問題，比事後修補更有效率。

📌 結語：攝影從「預判」開始，不是從後製開始

若你也曾在後製時為了解決色偏而苦惱、調整白平衡卻始終覺得怪，

那你會明白：拍攝現場就處理好光線，是多麼關鍵的一步。

攝影師使用閃燈，不是為了方便，而是為了減少麻煩；

不是為了炫技，而是為了「減法處理」。

控制光線，是攝影者該主動掌握的責任，

也是一種效率與品質的保證。